Las Venas Abiertas de América Latina

Las Venas Abiertas de América Latina

FICHA TÉCNICA

Autor: Eduardo Galeano.

Titulo: Las Venas Abiertas de América Latina.

Año: 1971

Edición: 1ª Edición 1971

28ª Edición Revisada por el autor 1980

66ª Edición nuevo Formato 1993

74ª Edición 2002

76ª Edición Revisada y Corregida 2004

Cuidad: Montevideo

El autor de éste Libro nos da a conocer, la división internacional del trabajo, que consiste en que unos países se especializan en ganar y otros en perder y nos muestra la otra cara de lo que a mí me enseñaron en la primaria: Ahí Cristóbal Colón y sus sucesores fueron los héroes que nos inculcaron la civilización y si no hubiera sido por ellos, hoy estaríamos viviendo en las chozas de algún pueblo siendo muy miserables.

 Y que nuestra América, desde un inicio se especializó en perder desde los tiempos más remotos, cuando los europeos se  lanzaron a través del mar para conquistarnos en 1492. Desde que los europeos pisaron nuestras tierras, solo había una intención: enriquecerse ellos a cuesta de todo, incluso de los indios, llamados así desde un primer momento, por la confusión de Cristóbal de creer que había llegado a La India.

Colón llevaba condigo un ejemplar del libro de Marco Polo en que mencionaba, que poseían en las minas, oro en abundancia y en la isla, perlas redondas de gran tamaño; así como en la meseta de México y en el Altiplano andino. Luego 15 años mas tarde  llegó a Sevilla el  gigantesco cargamento que Francisco Pizarro hizo pagar al Inca Atahualpa antes de estrangularlo. Los nuevos exploradores avanzaron sobre lo que encontraban en busca de plata y oro. Y eso fue lo que encontraron en Potosí, en la actual Bolivia, y en Zacatecas y Guanajuato, hoy territorio mexicano. La ciudad de Potosí fue la cabecera de toda Sudamérica por largo tiempo y llegó a tener más cantidad de habitantes que Sevilla, Madrid, París y la misma cantidad que Londres. Simplemente exterminaron estas minas. Y fue tanto el interés por la plata que a los colonizadores no les preocupaba tener que comer ratas, gatos y perros, porque no había quien cultivase las tierras, ya que la mayoría de los esclavos trabajaban en las minas hasta más allá del cansancio.

Finalmente ante este exterminio las Islas del Caribe dejaron de existir. Desde otro lado el cronista Fernández de Oviedo, relataba el holocausto que se llevaba a cabo en aquellos tiempos.

El Tratado de Tordesillas, suscrito en 1494, permitió a Portugal ocupar territorios americano, es así que América a había sido donada a la Reina Isabel.

En 1513: El pacífico resplandecía Vasco Núñez de Balboa.

En 1522: Regresan a España los sobrevivientes de  Hernando de Magallanes.

En 1523:Conquista Centroamérica Pedro de Alvarado.

En 1533: Francisco Pizarro entra triunfante en Cuba.

En 1540 Pedro de Valdivia funda Santiago de Chile.

Unas de las minas más grandes de Latinoamérica fueron las de Potosí, Sucre, Zacatecas y Ouro Preto.

España tuvo conflictos al conquistar México y Perú, puesto que allí había gran población indígena, pero gracias a la tecnología que traían, pudo conquistarla.

Los indígenas fueron derrotados por el asombro, los extranjeros  traían venados, cañones, enfermedades peligrosas y más eficaz que otra.

Ahora Potosí es uno de los pueblos más pobres del mundo, los habitantes viven en chozas y son muy pobres, y los mineros intentan sacar los pedacitos de estaño que los españoles

Gran parte de los indígenas que vivían en América antes de que llegaran los españoles se han extinguido.

En 1581, Felipe II había afirmado que un tercio de los indígenas de América habían sido aniquilados y los que aun vivían eran muy pocos, y que las madres mataban a sus hijos para salvarlos del tormento de las minas.

Antes de que los españoles llegaran en América Central había entre diez y trece millones de habitantes.

En 1601 Felipe III dicto reglas prohibiendo el trabajo forzoso en las minas y después de que llegaron los conquistadores se empezaron a repartir tierras como indios, y los indios, trabajaban tanto que ya resistían más de su propio peso, y se trataban a los indios como bestias de carga, hasta que llego un indio llamado Tupac Amaru,(descendiente de un Cacique Inca), el cual lucho contra los conquistadores hasta que lo traicionaron y apresaron, y luego lo decapitaron, y mandaron sus restos hacía distintas partes.

Los Incaicos ya sabían que era la "cocaína" antes que llegaran los conquistadores; pero, ellos la utilizaban para rituales o para sanar, curar y conversar con los espíritus dela naturaleza, mientras que los españoles la direccionaron como un medio económico

Brasil ha tenido varias ciudades como capital: Primero fue Salvador de Bahía, luego se traslado a Rió de Janeiro y actualmente es Brasilia. La población de Brasil aumento 11 veces después del descubrimiento de las minas Geraís, el motivo de su crecimiento fue su calidad de nutrientes en la   tierra para cultivar cañas de azúcar, llamado también el oro blanco.

Hacia 1970, Cuba, Barbados, Puerto Rico, Jamaica, Dominicana, las Islas de Sotavento, Trinidad, Guadalupe, son prisioneras del monocultivo de azúcar. 

A finales del 2004, el cultivo de la caña de azúcar en Cuba solo ocupa un 10% en las prioridades de su economía. El azúcar del trópico Latinoamericano aporto un gran impulso a la acumulación del capital para el desarrollo industrial de Inglaterra, Francia, Holanda y Estados Unidos.

Después de ser el principal gestor del perverso negocio del tráfico de esclavos, los ingleses se opusieron al esclavismo. El azúcar brasileño recuperaba ventajas por sus bajos precios en la mano de obra esclava. La represión del trafico elevó los precios y aumento las ganancias.

En el llamado "Ciclo del Caucho" se estima que murieron cerca de medio millón de nordestinos. Ya en 1850, se revestían de goma las ruedas de los vehículos.

La demanda mundial del caucho creció de manera considerable. En 1890, el caucho proporcionaba a Brasil la décima parte de sus ingresos por exportaciones; 20 años después subía al 40% y Brasil se convirtió en el principal exportador de la goma. En 1919, Brasil solo abastecía el 8% del consumo mundial. Medio siglo después Brasil compra más de la mitad del caucho que necesita.

Antes del petróleo, Venezuela se identificó con el cacao. Venezuela sobrevivió cien años dando tumbos. Al igual que Bolivia, Brasil, Perú… Venezuela se limitaba solo a exportar materia prima y no ha participar del negocio. En Brasil hizo su aparición el Café con el mismo ímpetu del caucho y la ciudad de Salvador de Bahía en Brasil resucito y se convirtió en la capital del cacao.

Los grandes consumidores del cacao (Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Holanda) estimulan la competencia entre el cacao Africano y el que produce Brasil y Ecuador para así poder comer chocolate barato.

Hasta 1970, Latinoamérica producía la quinta parte de algodón para la industria textil del planeta. La fibra de lana producía en Europa era demasiada cara. Los genios de las finanzas, vieron en las fértiles tierras de América Latina, el mejor terreno para producir esta materia prima.

Esta materia prima se convirtió en algo tan importante como el oro, la plata, el caucho, etc.

 El algodón Latinoamericano continúa vivo en el comercio mundial gracias a sus bajísimos costos.

A principios de la década de los 50 América Latina producía las cuatro quintas partes del Café que se consumía en el planeta. Brasil es el mayor productor del mundo aunque el aroma de este producto no es el mejor y sus bajos precios han abaratado el precio del Café en el mercado mundial.

El Café Colombiano, a pesar de ser el que cuenta con los precios más altos del mercado también es el de mayor consumo.

En Colombia, el Café había logrado lo que no se había logrado en anteriores ciclos económicos del país. Las fabricas textiles y otras industrias livianas habían nacido y no por casualidad en los departamentos productores de Café.

Walter, luego de asolar la región con sus hombres se proclamo presidente en Guatemala, Salvador, Nicaragua y Honduras. A su regreso fue recibido en Estados Unidos como héroe nacional.

El "crack" de la bolsa en Nueva York básicamente afecto al café, algodón, y el banano. Apoyados por Estados Unidos los dictadores se atrincheraron en el poder, así: Maximiliano Hernández en el Salvador, Jorge Ubico en Guatemala, Tiburcio Castrias en Honduras y Anastasio Somoza en Nicaragua, por un promedio de 20 años.

La independencia de España no incidió en absolutamente nada a favor de los desposeídos. Las riquezas de estas patrias solo cambiaron de mano. Bolívar alcanzo a visualizar lo que se avecindaba y llamo por su nombre a los norteamericanos como "los mas ambiciosos y los peores enemigos de esta tierra".

En 1910, empezó el desquite Emiliano Zapata se alzo en armas en Méjico contra la dictadura de Porfirio Díaz, sus soldados fueron campesinos sin tierra que revindicaron siete siglos de trabajo continuo en su suelo. La lucha de Zapata duro cerca de 10 años, contra Díaz, Madero, Huerta y contra Venustiano Carranza.

 En 1914, Zapata y Villa entraron en Ciudad de Méjico como vencedores.

En 1919, una traición termino con la vida de Zapata.

Los irlandeses, ingleses, escoceses, que llegaron a las colonias del norte y que la bautizaron con el nombre de Nueva Inglaterra. No venían a conquistar, sino a colonizar, que son dos conceptos diferentes. Las trece colonias del norte no corrieron la misma desgracia como paso en Latinoamérica. En el norte de América no había oro, ni plata, ni civilizaciones indígenas fuertes a exterminar.

El subsuelo de Norteamérica es pobre en minerales y necesita tomarlos como sea donde se encuentren.

En 1865, los Estados Unidos iniciaron su carrera para convertirse en potencia mundial. Primero el proteccionismo, luego el libre comercio, esa fue la técnica del naciente imperio.

Argentina, Brasil y Méjico son los tres polos del desarrollo Latinoamericano, la economía Latinoamericana no es competitiva en el contexto mundial. A los Estados Unidos no le interesa que los países Latinoamericanos se fusionen en una sola comunidad.

El FMI nació en Estados Unidos, tiene su sede en Estados Unidos y esta al servicio de Estados Unidos. El Banco Mundial (BM) y el FMI actúan conjuntamente, pues tienen metas comunes. El BM y el FMI, mantienen ejerciendo presiones para que los países Latinoamericanos remodelen constantemente su economía en función del pago de la deuda externa y por eso la deuda externa sigue creciendo y los productos que vende América Latina cada vez valen menos, y cada vez es mas caro lo que se compra.

Francisco de Goya y Rembrandt

Francisco de Goya y Lucientes

Francisco de Goya y Lucientes nació el 30 de marzo de 1746 en Fuendetodos, un pueblecito de la provincia de Zaragoza. Se formó en el taller de José Luzán y posteriormente viajó a Roma, donde estudió el barroco italiano.
Su boda con Josefa Bayeu en 1773, hermana de los pintores Francisco y Ramón Bayeu, facilitan su instalación en la Corte, donde bajo la dirección de Mengs comienza a pintar cartones para la Real Fábrica de Tapices.
A los trece años, en 1759 y hasta 1762, Francisco de Goya asiste a clases de pintura que imparte José Luzán y poco después entra a trabajar en su taller. En verano, durante la vendimia, va a Fuendetodos, y bajo la dirección de su propio padre realiza su primera obra, pinta el armario de las reliquias que posee la iglesia y se complementa con la decoración del muro al que va adosado el armario.
Por dos veces, a los diecisiete y a los veinte años, concursa, sin éxito, para obtener una pensión en la Academia de Bellas Artes de San Fernando; este doble fracaso le impulsa a viajar a Italia, donde aprende la técnica del fresco, que le servirá, a su regreso a España, para conseguir su primer encargo oficial en la Basílica del Pilar de Zaragoza.

En 1785 se convierte en pintor del rey Carlos III y en 1799 en pintor de cámara del rey Carlos IV. Inicia grandes retratos, La marquesa de Solana o La Duquesa de Alba, que culminarán en La familia de Carlos IV. Todas estas obras, aunque siempre de compromiso por las exigencias de su clientela, revelan los cambios estilísticos de Goya. Ocupan un papel principal la pincelada suelta y la preocupación por la luz. La luz aparece sobre todo en el tratamiento espacial y en los ropajes.

Hacia 1790 Goya sufre una enfermedad que le deja sordo. La sordera lo lleva al aislamiento y a la introspección, deja de contemplar la sociedad como un conjunto de costumbres amables y empieza a considerar el lado negativo, como plasmará en Los Caprichos. Son ochenta y cuatro grabados en los que destacan claramente cuatro temas principales: la corrupción de las costumbres, en las que tienen un gran papel la prostitución y el celestinaje; la superstición y la brujería; el anticlericalismo, apoyado en los vicios de los clérigos y en su poder sobre las personas y la ignorancia. El pintor se sirve de la ambigüedad para dar una visión crítica.
Su intención es generalizar, universalizar, la multitud se convierte en la protagonista de las escenas y la individualidad desaparece. Critica el mundo en el que vive porque está corrompido, satiriza los defectos sociales y las supersticiones de la época.

Periodiodos

Primer Periodo

Caprichos

Esta etápa de Goya surge en Madrid con Francisco Bayeu

Las caracteristicas de estos cuadros son: Escenas idílicas y de la vida diaria, llenas de romanticismo y alegría; los coloresvivos y claros; temas religiosos.

La Maja Desnuda

La Familia de Carlos IV

La Condesa de Chinchón

El retrato de la Condesa de Chinchón es posiblemente el más bello y delicado de los pintados por Goya. Quizá venga motivado por el conocimiento de la modelo desde que era pequeña ya que María Teresa de Borbón y Vallábriga era la hija menor del infante don Luis, el primer mecenas del maestro.

Está sentada en un sillón de época y lleva una corona de espigas en la cabeza , y un anillo camafeo. La luz ilumina plenamente la delicada figura, resbalando sobre el traje de tonos claros, creando un especial efecto atmosférico que recuerda a las últimas obras de Velázquez. 

Segundo Periodo

Desastres de la Guerra

Esta etápa Goya pinta el horror vivido en la guerra de la invación Española, pinta los dramáticos acontecimientos sucedidos en Madrid.

Fusilamientos del 2 de Mayo

La pintura está realizada sobre un lienzo utilizando la técnica del óleo.

La composición se divide en dos partes fundamentales; la primera, a la izquierda, la compone un grupo de civiles, unos doce, en distintas posturas; uno se tapa la cara, otros ya muertos yacen en el suelo, otro aparece rezando, otro con los brazos abiertos... La parte de la derecha la conforman un grupo de seis soldados que apuntan con sus fusiles al grupo de civiles que tienen delante. En el lado del grupo de civiles, se encuentra la montaña del Príncipe Pío. Y al fondo, se aprecia una arquitectura perteneciente a la ciudad de Madrid y la negra noche donde se desarrolla la acción, y que cubre el resto de la composición.

Tercer Periodo

Pinturas Negras

En esta etápa Goya plasma las acciones más heroicas de la insurrección de españa contra el tirano de europa. Pinta un mundo de aquelarres, brujas, machos cabrios, etc, donde está presente el odio que intenta depurar a los afrancesados.

Saturno Devorando a sus Hijos

Dos Viejos Comiendo

El Aquelarre

El cuadro representa, como su propio nombre indica, un aquelarre (reunión o invocación al demonio) en el que bastantes brujas rinden culto a éste, situado a la izquierda del cuadro.

Su composición es simétrica ya que están sentadas en círculo.

Podríamos decir que el centro de esta composición lo forma la mujer del pañuelo blanco a cutos lados se encuentra el demonio el cual destaca en la escena por su tamaño y su enorme mancha negra) y una mujer sentada en la silla (el retrato de Leocadia, amante de Goya, no demasiado favorecida al encontrarse junto a las brujas.

Rembrandt

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, pintor barroco holandés, nace en Leiden el 15 de julio de 1606. Era hijo de un molinero perteneciente a la clase media holandesa, por lo que pudo asistir a la Escuela Latina y en 1620 matricularse en la Universidad de Leiden, aunque desconocemos en qué materias. En 1621 abandona los estudios universitarios e inicia su aprendizaje artístico en su ciudad natal con un oscuro pintor llamado Jacob van Swanenburgh, en cuyo taller estuvo tres años.  En 1628 su fama es ya considerable y tiene discípulos a su cargo, destacando Gerrit Dou. Al morir su padre en 1630, Rembrandt abandona Leiden y se instala en Amsterdam, asociándose con un marchante de obras de arte llamado Hendrick van Uylemburgh, quien le proporciona interesantes encargos, sobre todo retratos en los que el pintor pone toda su atención, captando el alma del retratado y los preciosistas detalles de los vestidos, aumentando así su fama y su fortuna. Su situación económica es muy próspera y lo será aun más al contraer matrimonio en 1634 con Saskia van Uylemburgh. Rembrandt fallece en Amsterdam el 4 de octubre de 1669 a la edad de 63 años, siendo uno de los más innovadores y excepcionales artistas de todos los tiempos.

Obras

Sanson Traicionado por Dalila

La historia de Sansón será utilizada por Rembrandt en varias ocasiones durante sus primeros años.

El contraste entre luces y sombras creado está inspirado en Caravaggio, al igual que el naturalismo de los personajes. Una importante aportación de Rembrandt será la expresividad de las figuras, demostrando su capacidad como retratista. Al disponer los personajes en diferentes planos crea la sensación de profundidad, cerrando el espacio con una pared al fondo donde se recortan las figuras. Sus trajes y armas están perfectamente detallados, destacando las sedas del vestido de Dalila, especialmente el encaje de su escote.

Betsabé en el Baño

La obra representa el momento clave del baño de la joven, en este momento está reflexionando sobre su decisión, si ser o no concubina del rey de Persia, también puede tener una explicación simbólica o un significado especial para el autor puesto que Rembrandt había perdido su primer hijo.

Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tulp

Vemos al doctor Tulp con su sombrero, reflejo de su cargo, con unas pinzas en la mano derecha, mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos.El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que provoca una luz potente y clara, que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio, según indicaba la teoría tenebrista que trabajaba por estas fechas. El colorido oscuro también es característico de la técnica tenebrista, pero además hay que destacar la austeridad cromática de los trajes de aquella época, animada por los cuellos y puños blancos. Los detalles de los cuellos y los ropajes o los libros demuestran la altísima calidad del artista.

Taj Mahal

Taj Mahal

Historia

El Taj Mahal es la obra cumbre de la arquitectura mogul, es uno de los más bellos edificios del mundo levantado en Agra, al norte de la India, por iniciativa de Shah Jahan, en memoria de su esposa Muntaz Mahal. La palabra Taj proviene del persa, lenguaje de la corte mogol, y significa "Corona", mientras que "Mahal" es una variante corta de Mumtaz Mahal, el nombre formal en la corte de Arjumand Banu Begum, cuyo significado es "Primera dama del palacio". Taj Mahal, entonces, refiere a la corona de Mahal, la amada esposa de Sha Jahan. Ya en 1663 el viajero francés François Bernier mencionó el edificio como Tage Mehale.
Este imponente edificio es famoso por su bella arquitectura, y además por su gran historia llena de romanticismo y especulaciones. El emperador Sha Jahan fue un prolífico mecenas, con recursos prácticamente ilimitados. Bajo su tutela se construyeron los palacios y jardines de Shalimar en Lahore, también en honor de su esposa. Mumtaz mahal quien le dio catorce hijos, pero falleció en el último parto y el emperador, desconsolado, inició casi enseguida la construcción del Taj como ofrenda póstuma. Todos los detalles del edificio muestran su naturaleza romántica, y el conjunto hace alarde de una estética espléndida.

• El Taj Negro

Una vieja tradición popular sostiene que se previó construir un mausoleo idéntico en la ribera opuesta del río Yamuna, reemplazando el mármol blanco por negro. La leyenda sugiere que Sha Jahan fue destronado por su hijo Aurangzeb antes de que la versión negra pudiera ser edificada, y que los restos de mármol negro que pueden hallarse cruzando el río son las bases inconclusas del segundo mausoleo. Estudios recientes desmienten parcialmente esta hipótesis y arrojan nueva luz sobre el diseño del Taj Mahal. Todas las demás grandes tumbas mogolas se situaban en jardines formando una cruz, con el mausoleo en el centro. El Taj Mahal, por el contrario, se ha dispuesto en forma de una gran "T" con el mausoleo en un extremo. El rastro de las ruinas en la ribera opuesta del río extiende sin embargo el diseño hasta formar un esquema de cruz, en el que el propio río se convertiría en canal central de un gran chahar bagh. El color negro, parece ser producto de la acción del tiempo sobre los mármoles blancos originalmente abandonados allí. Los arqueólogos han denominado a este segundo y nunca construido Taj, como el "Mahtab Bagh", o "Jardín de la luz de luna".


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Actualmente este complejo tiene el título de Patrimonio de la Humanidad y se ha posicionado como uno de los mas importantes destinos a conocer en la india.
Fue nombrado una de las siete nuevas maravillas del mundo.
Existió una disputa por los derechos de propiedad del Taj Mahal, por parte de un culto islámico perteneciente al sector sunita, esto basandose en que la mujer del emperador pertenecia a dicho culto, pero esta petición fue negada por el gobierno Indu, alegando que es propiedad de toda la nación.


Arquitectura

1. Finial: remate ornamentado de las cúpulas, también usado en las pagodas asiáticas.

2. Decoración de loto: esquema de la flor de loto esculpida en las cúpulas.

3. Cúpula acebollada: también llamada "amrud", típica de la arquitectura del Islam, y que sería usada más tarde en Rusia.

4. Tambor: base cilíndrica de la cúpula, que sirve de apoyo y transición formal sobre el basamento del edificio.

5. Guldasta: aguja decorativa fijada al borde de los muros portantes.

6. Chattri: kiosco de columnas y cúpula, también utilizado en forma aislada o exenta como monumento conmemorativo.

7. Cenefas: paneles de cierre sobre arquerías.

8. Caligrafía: escritura estilizada de versos del Corán sobre las arcadas principales.

9. Arcadas o portales: también llamados pishtaq (palabra persa para los portales exentos).

10. Dados: paneles decorativos flanqueando los muros principales.

La edificación empezó a construirse hacia 1632, según los planos de un consejo de arquitectos procedentes de India, Persia y Asia central, aunque parece  que el auténtico inspirador fue el propio emperador. Trabajaron en su realización más de 20.000 obreros; las obras del mausoleo concluyeron en 1643 y las de las dependencias adjuntas en 1649. En total, el proyecto ocupó veintidós años y costó cuarenta millones de rupias. Se conocen los nombres de algunos de los maestros que participaron en la empresa: el turco Ismail Afandi, que diseñó las cúpulas; Qazim Khan, de Lahore; Chíranji Lal, de Delhi, que se encargó de los mosaicos; el cantero Amir Ah, de Beluchistán; Amanta Khan, de Shiraz (Persia), insigne calígrafo. El maestro de obras fue el turco Listad Isa; la leyenda cuenta que, cuando el edificio estuvo acabado, Jehan ordenó cortar su mano para impedir que pudiese repetir una’ obra semejante. En los escritos de un misionero portugués de la época parece aludirse a la posible intervención de un artista italiano, Jerónimo Veroneo. Aunque efectivamente vivió en Agra durante esos años, nada parece apoyar de forma seria esta hipótesis.

Simetría

El conjunto del Taj Mahal tiene su principal perpendicular a la ribera del río Yamura. En el centro, los amplios jardines divididos en cuadros se organizan mediante la cruz formada por los canales. La superficie del agua refleja los edificios, produciendo un efecto adicional de simetría. Cada sección del jardín está dividida por senderos en dieciséis canteros de flores, con un estanque central de mármol a medio camino entre la entrada y el mausoleo, que devuelve la imagen reflejada del edificio. 

La mayoría de estos jardines mogoles son de forma rectangular, con un pabellón central. El Taj Mahal es inusual en este sentido, ya que sitúa al edificio principal, el mausoleo, en uno de los extremos. Pero el reciente descubrimiento de la existencia del "Mahtab bagh" (Jardín de la luna) en la ribera opuesta del río Yamuna permite una interpretación distinta, incorporando el cauce al diseño global de forma tal que se convirtiera en uno de los ríos del paraíso.

El trazado de los jardines y sus características arquitectónicas principales, como las fuentes, los senderos de mármol y de ladrillo, los canteros lineales del mismo material —similares al jardín de Shalimar— sugieren que pueden haber sido diseñados por el mismo ingeniero, Ali Mardan. Las descripciones más antiguas del jardín mencionan su profusa vegetación, con abundancia de rosales, narcisos y árboles frutales.

Influencias

El Taj Mahal incorpora y amplía las tradiciones edilicias del Islam, Persa, India y de la arquitectura Mogol antigua (aunque la investigación actual de la arquitectura de este   monumento indica una influencia francesa, sobre todo en los interiores). El diseño general se inspira en una serie de edificios timuries y mogoles, entre los cuales se encuentran el Gur-e Amir (tumba de Tamerlan), la tumba de Itmad-Ud -Daulah y la Jama Masjid, en Delhi. Bajo el mecenazgo de Sha Jahan, la arquitectura mogol alcanzó nuevos niveles de rerefinaento. Antes del Taj Mahal era habitual edificar con piedra  arenista roja, pero el emperador promovió el uso de mármol blanco con incrustaciones de piedras semipreciosas.

Declive y Restauración

Una vez terminado, el Taj conservó su esplendor hasta el declive del Imperio mogol durante el siglo XVIII, cuando todo el monumento cayó en abandono. Bajo la ocupación inglesa de India en el siglo XIX, el lugar era a veces utilizado para fiestas al aire libre, en las que las bandas militares llenaban con su música el aire nocturno desde las terrazas. Fue en una de esas ocasiones cuando la esposa de un oficial declaró, contemplando el Taj: «Me moriría mañana con tal de tener sobre mí otro igual.»

Dos británicos son citados a menudo en relación con el Taj Mahal, por razones buenas y malas. El primero, lord William Bentinck, gobernador general de India, pretendió desmembrar el Taj y embarcar sus pedazos hacia Inglaterra para su subasta.

En cambio, lord Curzon, virrey de India fue un dedicado conservador que hizo mucho por la restauración de los monumentos culturales indios, incluida la renovación del Taj, con el fin de que su gloria pudiese ser disfrutada tanto por la posteridad como por su creador.

Representantes del Renacimiento

Representantes del Renacimiento

Miguel Angel

Miguel Ángel Bounarroti fue un escultor, pintor y arquitecto italiano del siglo XV y XVI (nació el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564) conocido principalmente por la escultura de “El David” y la obra pictórica que recubre la bóveda de la Capilla Sixtina. Nació en Caprese, municipio italiano de la provincia de Arezzo, denominado actualmente Caprese Michelangelo en su honor. Comenzó su formación como pintor a los 12 años en el taller de la familia Ghirlandaio y un año más tarde se adentraría en el mundo de la escultura a través de Bertoldo di Giovanni, el cuál le introduciría en el influyente círculo de los Médici. Desde entonces desarrolló una fructífera vida artística entre Florencia y Roma, de cuyo amplio legado destacan dos grandes obras: El David y la bóveda de la Capilla Sixtina (Ver punto 2). Sus últimos años los dedicó a la arquitectura hasta que falleciera en Roma a los 88 años de edad.


Obras

David

Esta escultura actualmente se encuentra expuesta en la galería de la academia de Florencia. Se llama David y fue esculpida por Miguel Ángel entre 1501 y 1504, es decir, pertenece al renacimiento. Representa la perfección anatómica, Miguel Ángel disecciono cadáveres para entender el funcionamiento de la musculatura y retratar el cuerpo humano de manera realista.
Con la mano en tensión, muy lograda, David sujeta la honda y parece dispuesto a desplegar el brazo para lanzar la piedra con la que derribara al gigante.

La Creación de Adán

El fresco se divide en dos partes, a la izquierda se encuentra Adán representado como un atleta fuerte, con gran belleza, desnudo e inmóvil, totalmente pegado a la tierra como surgiendo de ella, parece no tener fuerzas y sólo pueda apenas estirar un poco el brazo, sin fuerza propia para tocar el del creador, que concentra en su dedo toda la fuerza de la creación para transmitirla a Adán y darle vida al ser que acaba de crear. Detrás de Adán parece haber un pequeño campo y una montaña azul. 

Dios se encuentra en el lado derecho de la obra, es un hombre anciano, con cabello gris, viste una túnica color lavanda, aparece acompañado por algunos ángeles y querubines cubiertos por un manto que simula una concha y frente a la inmovilidad de la figura de Adán destaca la movilidad de la figura de Dios, cuyo pelo y vestimenta se agitan.

Leonardo Da Vinci

Leonardo Da Vinci fue un polímata italiano del siglo XV y XVI (Nació el 15 de abril de 1452 y murió el 2 de mayo de 1519) conocido principalmente por su destacado talento como pintor, ingeniero e inventor. Sus obras pictóricas más conocidas son “La Gioconda” (También conocido como “La Mona Lisa“) y “La Última Cena”. Además de estas dos obras de arte, escribió un sinfín de ideas revolucionarias que no pudieron ser desarrolladas hasta varios siglos después, algunas por las limitaciones técnicas existentes en esa época y otras por pequeñas incongruencias en sus bocetos que imposibilitaba el funcionamiento de sus inventos.

La cerrera de Leonardo se repartió básicamente entre Florencia y Milán, aunque en ocasiones no residió en un lugar fijo. Pasó sus últimos años en Francia como invitado de Francisco I y ya en la época de su muerte había adquirido un aura legendaria.

Obras

La Última Cena

Pintura mural realizada entre los años 1495 y 1497 para el refectorio (comedor) del convento de Santa María della Grazie en Milán por encargo de su mecenas en la época milanesa, Ludovico el Moro. Su estado de conservación, después de numerosos problemas y restauraciones, es muy malo. La pintura representa la Última Cena que celebra Jesús en compañía de sus discípulos.

Su deseo era tarbajar lenta y cuidadosamente, como al óleo, de modo que utilizó una pintura parecida al temple, cuya composición se desconoce, sobre el estuco en yeso. El resultado fue que la obra comenzó a deteriorarse incluso en vida del artista y pasados cincuenta años apenas era visible. Se ha restaurado en varios ocasiones, la mas reciente en 1980- 1999

Cada uno de los apóstoles reacciona de modo diferente y aun así forman grupos armonizados noblemente a ambos lados de la figura central de Cristo. Dos masas dinámicas que se mantienen unidad y en reposo por un único punto de equilibrio. Cristo esta encuadrado por una ventana abierta al campo, que subraya su condición humana mas que su divinidad, ademas de aumentar la ilusión de realidad.

Cristo con los brazos extendidos, forma un triangulo estable. todos los gestos de los discípulos devuelven la mirada hacia Cristo, cuyas vestiduras contienen los colores cálidos y fríos que se repiten en los apóstoles.

La Gioconda

En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre.

Los ojos posan sobre el espectador una mirada jovial que subraya la sutil curva de lo boca. En las comisuras de los parpados,la transición tonal es suave y natural.

El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo, de donde toma su sobrenombre. Leonardo retuvo consigo el retrato hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre.

En cuanto a la técnica usada en esta pintura (al igual que en muchas otras) Leonardo usa el sfumatto, por la cual va difuminando suavemente los rasgos de la modelo para hacer indefinibles los contornos, al igual que lo aprecia el ojo humano. Del mismo modo Leonardo en el paisaje utiliza tonalidades azules para dar la percepción de lejania y disminuye en escala y difumina los objetos para tener en el cuadro el mismo aspecto de la lejania que tendría si fuera observado al natural.

Rafael Sanzio

El artista más representativo del Renacimiento pintor italiano. Decoró el Vaticano.Hijo del pintor Giovanni Santi, nació en Urbino y comenzó su aprendizaje en Perugia. Su primera obra fue Los desposarios de la virgen, de 1504. Se instaló en Florencia (1504-1508), donde pintó, entre otras obras, La sagrada familia del cordero, y sobre todo las primeras de sus célebres madonas: La virgen del jilguero, La virgen de la pradera y la virgen del gran duque. Allí asimiló las técnicas de Leonardo Da Vinci.

Aunque en su producción predomina la temática religiosa, también fue un retratista excepcional y un destacado arquitecto. Su pintura sirvió de modelo e inspiración para otros artistas durante siglos.

Por orden de Julio II decoró las tres salas del Vaticano, llamadas estancias, con frescos que representan escenas alegóricas. Al mismo tiempo, trabajaba en varios retablos para altares: Madona del Foligno (1512), La madona de San Sixto (1512-1515) y La transfiguración (1519); en algunas madonas y en retratos. En 1514 dirigió los trabajos de la basílica de San Pedro.

Obras

Las Gracias

El Sueño del caballero y las Tres Gracias formarían un díptico encargado por un importante noble italiano a Rafael al poco de llegar el artista a Florencia. Siempre se ha considerado a Scipione di Tomaso Borghese como el cliente pero en la actualidad se especula con la posibilidad de Francesco Maria della Rovere, apuntándose también como el protagonista del retrato de Joven con manzana. 

Las Gracias están inspiradas en las esculturas clásicas por las que Sanzio manifestó una interesante admiración a su llegada a la capital de la Toscana, convirtiéndose posteriormente en Roma en conservador de las antigüedades romanas.

En las figuras podemos apreciar la incorporación del movimiento a sus composiciones, alejándose del estatismo de la escuela de Umbría con Perugino a la cabeza. Las Gracias se insertan con sabiduría en el paisaje, iluminadas por un potente foco de luz que acentúa la belleza de sus cuerpos, cubierto el de la derecha con un transparente velo mientras que sus compañeras se exhiben al desnudo.

La Escuela de Atenas

La pintura de Rafael alcanza un grado sublime en esta obra, posiblemente la más famosa de su producción. Cuando el espectador contempla el fresco en la Estancia de la Signatura se introduce en el mundo clásico y aprecia el movimiento de los diversos personajes pintados por Sanzio, obteniendo un insuperable resultado. La Escuela de Atenas simboliza la Filosofía, situándose frente a la Disputa del Sacramento.

Varias figuras presentas grasgos de contemporaneos de Rafael. el personaje de ppelo blanco y actitud digna del centro de la pintura que representa al filosofo Platon conversando con el disipulo Aristoteles,, tiene un cierto parecido con Leonardo da Vinci.

El Heraclito meditando en primer plano, esta pbasado en Miguel Ángel. Mientras trabajaba en la escuela de Atenas, Rafael pudo admirar la primera mitad de la boveda de la Capilla Sixtina, inaugurada en 1511 y añadió esta figura en homenaje a su creador.

A la derecha el geografo Tolomeo y el astrónomo Zoroastro sostiene un globo terrestre y celeste respectivamente mientras dialogan. Escuchandoles aparece el propio Rafael, mirando hacia el exterior de la pintura y hacia el espectador.

Donato Donatello

Donato di Niccolò di Betto Bardi, escultor italiano. Nació en 1386 en Florencia, hijo de un cardador de lana. Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi. En su carrera artística se pueden establecer tres periodos. El primero se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas. En el segundo periodo (1425-1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad clásica. Su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción.

Dejando atras las enseñanzas góticas del taller de Ghiberti, añadió penetración psicologica a los modelos clásicos, sus figuras anatomicamente exactas y de rasgos individualizados, suponen la encarnación del humanismo. Donatello dominaba el arte de la perspectiva lineal de su amigo Brunelleschi y lo combino con la expresion de las emociones.

Obras

David de Bronce

El David es una escultura de bronce de 158 cm de altura, obra del escultor italiano Donatello. La obra fue realizada en torno a 1440 (o a 1430 según algunos expertos) por encargo de Cosme de Médici, que quería situarla en los jardines de su palacio de Florencia.

Donatello opta por representarlo tras la batalla para poder utilizar una postura relajada y sin sentimientos más cercana a la idea de la armonía renacentista.Donatello utiliza el bronce (fundición).

Parte de un bloque más cerrado, pensado para una visión más frontal, utilizando el contraposto clásico de brazos y piernas que se suaviza aún más por la curva praxiteliana.

María Magdalena Penitente

El año 1453 fue cuando Donatello regresó a su ciudadnatal de Florencia y cuandorecibió el encargo, se cree que parael baptisterio de San Juan de Santa María del Fiore de una imagen demaría Magdalena penitente. Donatello se inspiró en la La leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena, para conseguir la redención de sus pecados.

Se trata de una escultura tallada en madera y policromada que se la representa como una mujer de avanzada edad en cuyo rostro y cuerpo se aprecia su vejez y la vida de redención. Su ropa son harapos que cuelgan de su demacrado cuerpo en un sinfín de pliegues así como las calidades táctiles que el artista ha logrado en la representación del cabello y la piel de la mujer. El claroscuro cobra especial importancia en esta composición donde una infinidad de pliegues recrean un continuo juego de luces y sombras.

Sandro Botticelli

Alejandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli nació, entre marzo 1444 et marzo 1445, en Florencia en la clase trabajadora rione en el arrabal de Ognissanti en Florencia, donde su padre era curtidor. Muere en mayo de 1510 en la casa de la Vía de la Porcelana donde habrá trabajado toda la vida, sin nunca haberse casado y tampoco haber tenido hijos.

Botticelli es un apodo (que viene de "botticello" que significa tonelete en italiano) sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o por gran bebedor.

Dedicó casi toda su vida a los retratos, entre los que destacan: Retrato de Giuliano de Medici (1475-1476,) y La adoración de los Magos (1476- 1477) que contiene personajes con rasgos muy parecidos a los de la familia de los Medici. Estuvo influenciado por el neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las ideas cristianas con las clásicas, esto se observa en La primavera (c. 1478) y en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), creadas para una de las villas de la familia Medici.

En 1481 fue llamado a Roma para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina del Vaticano, donde pintó los frescos Las pruebas de Moisés, El castigo de los rebeldes y La tentación de Cristo. En la década de 1490, tras la expulsión de los Medici de Florencia, y cuando el monje dominico Girolamo Savonarola predicaba la austeridad y la reforma, sufrió una crisis religiosa, aunque no abandonó la ciudad. 

Obras

Nacimiento de Venus

El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres, surgiendo imágenes como la Primavera o Venus y Marte. Venus es la diosa del amor y su nacimiento se debe a los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Cronos y arrojados al mar. El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. 

La composición de este cuadro  es piramidal, los tres elementos del primer plano están dispuestos de tal forma que entre ellos se genera un triángulo visual, los elementos de los extremos, generan una tensión hacia el punto central de la composición que también es el centro del espacio.

Observando cada elemento, es de notar que cada forma individual está dotada de un dinamismo orgánico, donde la curva es el movimiento principal. Las formas contorneadas de los cuerpos en contraposto, los cabellos ondeantes, y el gran concierto de caprichosos pliegues indican la presencia constante del viento circundante.

Mapa del Infierno

Aquí se encuentran, entre lamentos de dolor y de ira, las "gentes que vivieron sin gloria ni infamia", mezcladas con los ángeles que no se rebelaron contra Dios, pero no por lealtad, sino para evitar las consecuencias de tomar partido en la lucha entre el bien y el mal. El cielo los rechaza porque no hicieron nada bueno y el infierno también, porque no hicieron nada malo. Su tormento es que nadie se acuerda de ellos, no tienen esperanza de morir y no tienen nada que hacer en su pobre vida, desdeñados tanto de la justicia como de la compasión. Dante está condenando aquí, en particular, a sus compatriotas que, al contrario que él, evitaron tomar partido en los conflictos políticos de su tiempo anteponiendo su bienestar al bien de su ciudad.

También están allí los pusilánimes, desnudos, acosados por avispas, moscones y gusanos. Entre ellos estaba "quien hizo por cobardía aquella gran renuncia", sin duda el Papa Celestino V.

El Infierno es un enorme valle cónico y está dividido en nueve niveles o círculos, cada cual más profundo y estrecho que el anterior. Para llegar hasta él hay que cruzar el río Aqueronte, y las almas lo hacen en la barca de Caronte.

En los sueños enfermizos de Robert Langdon y durante muchas partes del libro se hace referencia a esta famosa pintura de Botticelli, El Mapa del Infierno de Botticelli, donde se describe con exquisito lujo lo que podríamos llamar el Infierno de Dante en la Divina Comedia. 

El Bosco

Jeroen van Aeken o Van Aken, conocido como El Bosco o Jerónimo Bosch (Bolduque, h. 1450 - enterrado en Bolduque, 9 de agosto de 1516), fue un pintor holandés.

Sus cuadros están protagonizados por la Humanidad que incurre en el pecado y es condenada al infierno. La única vía que parece sugerir el artista para redimirse se encuentra en las tablas con vidas de santos que, dedicados a la meditación, deben ser modelo de imitación, aunque estén rodeados por el mal.

Aunque se desconoce la cronología de su producción artística, se cree que pertenecen a la primera época sus obras más convencionales, como El charlatán o La crucifixión. En el centro de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas, una serie de creaciones abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época, ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos y encantadores.

Obras

Adoración de los Magos

En la tabla central aparece La Adoración de los Magos con una gran ciudad al fondo donde se aprecian unos grandes y fantásticos edificios. En primer plano los Magos entregan sus ofrendas y sobre el suelo uno de los regalos lleva tallada la escena del sacrificio de Isaac, prefiguración de la Pasión de Cristo. En los ropajes de Gaspar se representa la visita de Salomón a la reina de Saba, antecedente de la propia visita de los Magos al Niño. Mediante estos recursos el autor recrea dos niveles de lectura, vinculando pasajes del Antiguo y del Nuevo Testamento. Menos descifrable resulta el personaje encadenado y casi desnudo que asoma por la puerta, que ha sido sucesivamente interpretado como Adán, el Anticristo o Herodes, sin que ninguna identificación resulte convincente.

A la izquierda San Pedro y el donante, y a la derecha la donadora con Santa Inés; algunos autores vislumbran en la escena única que se origina al juntar los tres paneles, una referencia al sacrificio de la misa, ya que los cofrades de Nuestra Señora de s-Hertogenbosch, para quienes quizá fuera realizada la obra.

Las Tentaciones de San Antonio

El santo está acurrucado, debajo de un árbol hueco al que le ha puesto un precario techo de paja. Delante, un arroyo del que surgen también figuras demoníacas. Se enmarca en un paisaje de tonos amarillentos y verdosos, con suaves azules hacia el horizonte. Es uno de los temas favoritos del Bosco: Antonio Abad aparece como el primer ermitaño que tuvo que resistir durísimos ataques del demonio, según describía la Vita S. Antonii de Atanasio y la Leyenda Áurea de Jacobo de la Vorágine.

Es uno de los cuadros de los últimos años de El Bosco, si bien como el resto de sus obras resulta no tener una datación unánime. Friedländer habló de 1490; otros señalaron el año 1510, actualmente se opta por el periodo 1500-1525. No es seguro que sea una obra autógrafa del Bosco, pudiendo ser de un imitador o de su taller.

Masaccio

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai llamado Masaccio (San Giovanni in Altura, hoy San Giovanni Valdarno, Arezzo, 21 de diciembre de 1401 – Roma, otoño de 1428) fue un pintor cuatrocentista italiano. A pesar de la brevedad de su vida, su obra tuvo una importancia decisiva en la historia de la pintura: generalmente se considera que fue el primero en aplicar a la pintura las leyes de la perspectiva científica, desarrolladas por Brunelleschi.

En el año 1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" donde comienza a relacionarse con Masolino y trabajan juntos en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Niño y ángeles y en la decoración de la capilla Brancacci, la ejecución de dichos frescos dura cuatro años por lo que los compagina con otros trabajos como el Políptico de Pisa y el fresco de la Trinidad.

En 1428 se trasladó a Roma para realizar junto a Masolino un tríptico para la iglesia de Santa Maria Maggiore, aunque no llegaría a realizarlo ya que fallece en este mismo año con sospechas de que fue envenenado.

Obras

San Pedro Cura a los Enfermos con su Sombra

La escena se halla en el compartimento inferior del lateral izquierdo de la capilla Brancacci, en la pared frontal. Presenta el momento -recogido en los Hechos de los Apóstoles- en el que san Pedro sana a los tullidos con su sombra.

La escena se desarrolla en una calle florentina, ubicada según los especialistas en la zona de San Felice in Piazza debido a las balconadas típicas de los edificios medievales y la iglesia y el campanile que encontramos al fondo. Sin embargo, el paramento almohadillado del palacio del primer plano recuerda al Palazzo Pitti realizado por Brunelleschi. La perspectiva resulta la gran protagonista de la composición, interesado Masaccio en trasmitir la sensación de profundidad. Las figuras gozan de una monumentalidad escultórica y de una expresividad que serán admiradas por artistas futuros como Piero della Francesca. 

La Expulsión de Adán y Eva del Paraíso

La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal (en italiano, Cacciata dei progenitori dall'Eden) es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio.

Es uno de los frescos de la Capilla Brancacci. Prácticamente todos ellos se dedican a episodios de la vida de San Pedro, existiendo dos que reflejan el Génesis: a la derecha Adán y Eva en el Paraíso, pintados por Masolino y, a la izquierda, esta Expulsión del paraíso terrenal. Es así el primer fresco en la parte superior de la capilla, sobre el eributo. Tradicionalmente se ha considerado que se pretende representar el pecado original y el alejamiento del hombre respecto a Dios.

El Greco

Su verdadero nombre era Doménikos Theotokópulos, y fue llamado El Greco por su origen heleno. Comenzó a formarse como pintor en su isla natal. Su pintura se basaba en una iconografía tradicional y bastante arcaica en sus formas y composiciones. Estudió en Venecia, fue discípulo de Tiziano y del Tintoretto. Se le atribuyen numerosas obras, políptico de la Pinoteca de Módena, la expulsión de los mercaderes, la curación del ciego, La anunciación y la coronación.

Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue un apreciado maestro de iconos en el estilo posbizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estudiando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo (España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

 En 1577 se afincó en Toledo y dos años después recibió de Felipe II el encargo de pintar un Martirio de san Mauricio para el escorial. Se cerraron para el pintor las puertas de la corte. En Toledo se disputaron sus servicios. El estilo de Greco se caracterizaba por su afición al cromatismo intenso; a las figuras estilizadas. El Greco llegó a deformar para que transmitiesen una fuerte impresión de miticismo y religiosidad; y por último al dinamismo de la composición, siempre dividida en diferentes planos y relieves y sujeta a los efectos de una luz intensa, casi violeta, que suele radiar de un punto focal centrado.

Obras

La Anunciación

 La anunciación es una obra de El Greco, realizada en 1570 y conservada en el Museo del Prado de Madrid. Para el estudioso José Álvarez Lopera, esta obra procede de un grabado de Giacomo Caraglio.

Es una de las imágenes mejor logradas del período veneciano de El Greco. No se sabe a ciencia cierta si es un boceto o una composición ligada al Tríptico de Módena. Destacan las influencias de Tiziano, en la figura de María y en la organización de la composición, y Tintoretto, sobre todo en la arquitectura de la estancia. 

En la composición de La Anunciación podemos distinguir dos partes: La terrenal y la celestial.

Cristo en la Cruz con las Dos Marías y San Juan

En 1596, El Greco se comprometió a realizar el retablo de la iglesia del colegio de doña María de Aragón, un seminario de la orden agustina. El nombre popular alude a doña María de Aragón, la mecenas que pagó las obras. El Greco recibió el encargo del Consejo de Castilla, que se había hecho cargo de las obras después de la muerte de doña María. Existen documentos que atestiguan que debía realizarse en tres años y se valoró el trabajo en algo más de sesenta y tres mil reales, el precio más alto que consiguió en su vida.

Es de destacar la desproporción entre las figuras de la escena. En cuanto al color, El Greco sigue usando su gama tradicional, aunque ya mezcla las tonalidades de la Escuela veneciana con las que aprendió durante su estancia en la Roma manierista de 1570.