Historia del Arte II: Grecia

GRECIA
Arquitectura
La arquitectura griega es adintelada, no utilizó el arco ni la bóveda. Empleó Columna corintia como elemento sustentante la columna, y como material de construcción la piedra caliza (mármol) pintada en diferentes colores. Con el paso del tiempo esos colores han desaparecido casi completamente.

A pesar de que construyeron edificios de diverso tipo (teatros, estadios, hopódromos, Templo griegobibliotecas, etc.), el edificio más representativo fue el templo, cuya principal función era albergar la estatua de la divinidad. Los fieles no tenían acceso al interior de edificio, de ahí que los templos griegos fuesen de menor tamaño que los egipcios.

Los templos

Los templos griegos tenían planta rectangular, poseían dos o tres estancias, una de las cuales, la "naos", albergaba la estatua del dios o la diosa. Podían estar rodeados de columnas o tenerlas tan solo en la fachada principal.

Elementos arquitectónicos fundamentales eran las columnas. Éstas rodeaban el edificio y sustentaban el entablamento, constituido por tres unidades: el arquitrabe (que servía de dintel), el friso, dispuesto sobre el arquitrabe y frecuentemente decorado con relieves, y finalmente, la cornisa.

El frontón es una sección triangular decorada con esculturas. Las columnas se componían de varios elementos: basa, fuste y capitel.

Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el "dórico", al sur, en las costas del Peloponeso y el "jónico", al este. Los templos dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas columnas carecían de base y el fuste era acanalado. El capitel, muy simple, terminaba en una moldura llamada equino. Las columnas sostenían un entablamiento (sistema de cornisas) compuesto por un arquitrabe(zona inferior) y un friso de tríglifos (decoración acanalada) y metopas.

La construcción jónica, de mayores dimensiones, descansaba sobre una doble hilera de columnas, algo más estilizadas, también de fuste acanalado y con un sólido basamento. El capitel culminaba en dos gráciles volutas y los frisos se hallaban decorados con relieves. Más adelante, en el período clásico ( siglos V y IV a. C. ), la arquitectura griega arribó a su máximo apogeo. A los dos órdenes ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado en hojas de acanto.

Pintura

Debido a la falta de obras de calidad para el estudio directo de la pintura griega se suele recurrir a la pintura sobre cerámica, de la cual sí que existen numerosas piezas, para extrapolar características y conclusiones sobre la estética de la pintura griega.

Uso de cuatro pigmentos capaces de soportar las altas temperaturas del horno y sus combinaciones (rojo, amarillo, blanco y negro).

Características

Se usó abundantemente en la decoración de las obras arquitectónicas de todo tipo: religiosas, civiles, funerarias… También se pintaban los ropajes y el cabello de las esculturas (excepcionalmente también la piel). Esta actividad era considerada un arte en sí mismo, no un mero acabado o decoración.

las pinturas más valoradas fueron aquellas pintadas en tabla. Pero al ser la madera un material tan vulnerable a la erosión no disponemos de ninguna obra maestra para su estudio.

El origen estuvo asociado a las formas geométricas e idealizadas fuertemente influenciadas por el arte egipcio y asirio. Aunque se mantuvo la hegemonía de la línea y el dibujo en la pintura y las masas de colores planos, también desarrolló una identidad y características propias.

Ha aportado a la historia del arte:

• La introducción de vistas novedosas del cuerpo humano y sus partes (más allá de la frontalidad).

• Unos conocimientos de perspectiva (superposición de figuras) y naturalismo que no serán superados hasta el Renacimiento.

• El inicio del modelado de los pliegues y los objetos curvos enfatizando el grosor de las líneas y con tramas de rayas. Una forma primitiva de claroscuro.

Materiales y técnicas de la pintura griega

Las superficies más empleadas por lo tanto en la pintura griega fueron los muros, las tablas de madera y las losas de terracota o mármol.

Se usaron principalmente sobre las tablas, losas y esculturas de madera y mármol la pintura al temple y la encáustica, y sobre los muros la pintura al fresco y, de nuevo, al temple.

La paleta de colores de los artistas griegos contaba con los colores rojo, amarillo, negro,blanco, verde, azul, púrpura y marrón.

Temas de la pintura griega

Los pintores griegos fueron apreciados por su representación de escenas mitológicas, leyendas y batallas históricas.

Se desarrolló el retrato, la caricatura y escenas de paisaje que irían ganando mayor importancia. También se pintaron escenas de la vida cotidiana que irían ganando popularidad durante la última de las etapas del arte griego.

Aparecieron, entonces, los primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas denominadas "meandros". En un próximo paso, ya en el período arcaico se incluyó la figura humana, de un grafismo muy estilizado.

Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas que permitían su lectura girando la pieza de cerámica.

Escultura

Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período arcaico (siglos VII y VI a. C.)que los griegos comenzaron a trabajar la piedra.

Características

En sus orígenes, en el siglo VII a.C., la escultura griega adopta el hieratismo, la frontalidad, la simetría, las formas geométricas, la claridad e idealización delarte egipcio y asirio.

El interés de la cultura griega por alcanzar la perfección, el ideal de belleza platónico, lleva a los escultores a buscar el equilibrio, la armonía y el dominio técnico a través de distintas fórmulas que irán evolucionando hasta el siglo II a.C.

Aunque la idealización es una constante del arte griego en favor de la claridad y la belleza, la tendencia será una mayor observación del natural y un incremento paulatino del efecto realista y la caracterización particular. Se mejoran los conocimientos de anatomía humana superficial, cómo se articulan las distintas partes del cuerpo y el efecto de las tensiones generadas por el movimiento y la expresión. Conocimientos que no serán superados hasta el Renacimiento. Introduciendo los cánones de siete y ocho cabezas

La frontalidad y la simetría se rompen con nuevos puntos de vista, el movimiento contenido de las figuras en tensión, los primeros estudios del contraposto, posición por la cual la escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra libre.

Materiales y técnicas de la escultura griega

En la Antigua Grecia se esculpieron abundantes relieves (altos, bajos y medios) en lápidas, tablas votivas y como decoración arquitectónica.

El bronce a la cera perdida fue la técnica predilecta para la creación de estatuas públicas, pero también se usó mármol, piedra caliza y terracota.

La policromía se aplicó a esculturas de piedra, en especial a las obras de piedra caliza por tener un acabado más basto, comenzando como una decoración de colores vistosos y tornándose más discreta y naturalista durante el desarrollo del arte griego.

El aumento de los encargos privados y la necesidad de difundir la cultura griega en los nuevos asentamientos durante la época helenística promueven una industria de copias de obras de arte y la especialización de los artesanos favoreciendo la explotación de los nuevos convencionalismos, la monumentalidad (Coloso de Rodas) y la pérdida de calidad técnica.

Temas de la escultura griega

Los temas principales de la escultura griega fueron:

• Dioses y escenas mitológicas.

• Héroes y batallas.

• Atletas ganadores de los Juegos Olímpicos.

Estos tres temas nunca dejaron de estar presentes en el arte griego. Otros se fueron añadiendo después:

• Retratos de cuerpo entero de personajes ilustres en los que predomina aún una caracterización general sobre la apariencia real.

• Personificaciones (ejemplo: musas) y criaturas mitológicas (ejemplo: esfinges).

• Escenas cotidianas.

El cuerpo humano fue esculpido abundantemente. Cubierto con paños o desnudo. Tanto que se fueron ampliando las posibilidades, explorando y dominando un mayor rango de posturas, emociones, edades y etnias.

La difusión del arte griego por un territorio cada vez más amplio también provocó la creación de escuelas artísticas con sus propios signos de identidad:

• La escuela de Atenas: Modelos clásicos y retratos.

• La escuela de Alejandría: Vida cotidiana y alegorías.

• La escuela de Pérgamo: Dramatismo y patetismo.

• La escuela de Rodas: Temas dramáticos y giros forzados del cuerpo.

Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas egipcias que habían servido de modelo.

Algunos de los grandes artistas del clasicismo fueron Policleto, Mirón, Praxíteles y Fidias, aunque tampoco se puede dejar de mencionar a Lisipo, que intentando plasmar las verdaderas facciones del rostro, logró los primeros retratos.

Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y belleza, como "El coloso de Rodas", de treinta y dos metros de altura.

Periodos

La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los griegos. El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para representar a héroes, divinidades y mortales.

Al igual que en su arquitectura, los griegos valoraron especialmente la proporción, el equilibrio y el ideal de belleza. Los materiales que más emplearon fueron el mármol (coloreado) y el bronce.

En función de la evolución técnica, pueden distinguirse tres etapas:

La época Arcaica (s. VII y VI a. C.)

Durante la misma las figuras eran representadas normalmente de manera estática (sin movimiento), de frente (ley de la frontalidad) y en posturas rígidas. Sus ojos eran grandes y expresaban una sonrisa forzada (sonrisa arcáica). En ellas se aprecia una clara influencia de la escultura egipcia. Son muy representativos de este período los llamados"Kuroi" (jóvenes atletas).

La época Clásica (s. V y parte del IV a. C.)

Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y posturas menos forzadas.

Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del Partenón), Mirón,Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.

Con la llegada del clasicismo la estatuaria griega fue tomando un carácter propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones orientales.

La época Helenística (s. IV-II a. C.)

En este período las esculturas fueron dotadas de mayor dinamismo (movimiento), así como de gran realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza, sino la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica (Muerte de Laocoonte y sus hijos).

La escultura griega fue imitada y reproducida por los romanos. Gracias a ellos conocemos cómo fueron muchas de las grandes obras hoy desaparecidas. Al igual que la arquitectura, ejerció una importantísima influencia en estilos más modernos, tales como el renacentista y el neoclásico